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El acceso al arte público es un privilegio cultural innato para los neoyorquinos. Repartido por los cuatro rincones de la ciudad, el arte público es una parte integral del paisaje urbano de la ciudad de Nueva York, ocupando parques, plazas, callejones y terrazas abiertas a cientos de metros sobre el suelo. Si bien las instalaciones de arte público más famosas y celebradas ya están arraigadas en la textura urbana de la ciudad, como 'Love' de Robert Indiana en la Sexta Avenida o 'Gay Liberation' de George Segal junto al Monumento Nacional Stonewall, no podemos olvidar esas "obras de arte" que adquieren un carácter más efímero. 

Las instalaciones de arte público tienen el poder de suscitar las más diversas reacciones, con una historia de interpretaciones polarizadas que, en ciertos casos, terminaron en juicios y acciones públicas.
 
A raíz de las restricciones a la circulación y acceso a las instituciones públicas en tiempos del COVID-19, el acceso al arte — no a diferencia de tantos otros sectores — atraviesa un período de muchas incertidumbres, lo que obliga a las instituciones culturales a girar con nueva energía hacia el exterior, en el espacio publico.
Cuando se le preguntó acerca de cambiar el papel del arte público en medio de la pandemia, Sandra Bloodworth, directora de MTA Arts & Design, respondió retóricamente: "¿Cuánto tiempo tienes?" y dijo:

Desde que comenzamos el primer programa de arte dentro de un sistema de transporte público en 1985, siempre hemos estado trabajando en condiciones desafiantes, en entornos que el arte tiene la responsabilidad de tratar de transformar para mejorar
El proyecto más reciente realizado por MTA Arts & Design es una instalación de arte público en la Grand Central Station de Nueva York, diseñada por el reconocido artista Jim Hodges y titulada "Soñé un mundo y lo llamé Amor". Tomando la forma de un enorme mosaico de vidrio suspendido, la instalación está formada por 5.000 piezas de vidrio en 70 tonalidades diferentes.

Para Bloodworth, la instalación diseñada por Hodges es “una llama de esperanza”, un espacio que transporta a los pasajeros a un mar profundo y colorido mientras viajan por la estación. Hoy en día, con más de 350 obras de arte en exhibición en todo el sistema de transporte público de Nueva York (así como en las líneas del metro norte y a lo largo de la autopista a Long Island), MTA Arts & Design defiende su iniciativa como el museo subterráneo más grande de la ciudad.

Ya sean estructuras centenarias o recién inauguradas, las estaciones de tren y metro de Nueva York nos brindan una oportunidad única para promover y celebrar el arte público y, en consecuencia, transformar los espacios de nuestra ciudad. En este contexto, otro trabajo que cambió el rostro de una importante infraestructura del sistema de transporte público de la ciudad más grande de Estados Unidos fue la reciente inauguración del nuevo techo diseñado por SOM para el nuevo Moynihan Train Hall, desarrollado con el apoyo de el Fondo de Arte Público.

La serie de cúpulas de acero y vidrio propuesta por los arquitectos de SOM invita a los pasajeros a mirar hacia arriba, celebrando la elegancia de las formas originales de la cubierta del antiguo edificio de correos.
Otra instalación de arte reciente digna de mención es The Hive, diseñada por los artistas escandinavos Elmgreen & Dragset. Compuesto por una serie de rascacielos en miniatura, la instalación representa la imagen invertida de una supermetrópolis — una mezcla de arquitecturas ficticias y edificios de fama mundial. Según la pareja de artistas, la intención con la obra es llamar la atención sobre el hecho de que nuestro “mundo literalmente se ha puesto patas arriba”.

Los antiguos conocidos de los neoyorquinos, como el Empire State Building, asumen otro papel aquí. El trabajo, aunque fue concebido incluso antes del inicio de la pandemia, tardó más de un año en completarse.

Contrastando enormemente con la especificidad local de los dos proyectos mencionados anteriormente, la artista conceptual Jill Magid aborda el arte público con un enfoque algo diferente. En su proyecto llamado Tender, busca resaltar la naturaleza volátil de la economía. El artista decidió repartir 120.000 centavos acuñados con la fatídica fecha de 2020, el monto exacto del paquete de primeros auxilios aprobado por el gobierno de Estados Unidos el año pasado.

Las monedas acuñadas por Magid, sin embargo, no son las mismas que usamos a diario, están inscritas con la sugerente frase: "el cuerpo ya era tan frágil". La potencia de este trabajo, obviamente, depende de una activación silenciosa, que resulta de su circulación al pasar de una mano a otra, de una persona a otra. Para hacer circular sus monedas, el artista ha frecuentado las numerosas bodegas de la ciudad de Nueva York — que han permanecido abiertas incluso durante las cuarentenas más estrictas.

La naturaleza antimicrobiana del cobre hace que el centavo sea una forma segura de hacer arte circular, que, según la directora ejecutiva del proyecto, Justine Ludwig, “es capaz de agregar una sublime sensación de asombro al ritmo diario de la vida de una persona”. Las consecuencias de este proyecto van más allá de cualquier categorización o frontera que se quiera establecer sobre una obra de arte público tradicional, principalmente por su carácter transitorio y profundamente arraigado en la vida cotidiana.
Reconociendo la importancia de este momento de incertidumbre para el mundo del arte, Nicholas Baume, director y curador en jefe del Public Art Fund, dice:

Una de las principales razones por las que el arte público es tan importante para todos nosotros en este momento, es su capacidad de renovar nuestro sentido de pertenencia y comunidad: nos recuerda que todos debemos asumir la responsabilidad, que el arte debe ser accesible y que debemos valorar nuestros espacios públicos como lugares de expresión creativa y donde nuestros valores democráticos deben celebrarse todos los días

Este artículo fue originalmente publicado en Metropolismag.com.
Te invitamos a consultar la cobertura de ArchDaily relacionada con el coronavirus, leer nuestros consejos y artículos sobre productividad al trabajar desde casa y conocer las recomendaciones técnicas para el diseño saludable en sus proyectos futuros. Además, recuerda revisar los últimos consejos e información sobre COVID-19 del sitio web de la Organización Mundial de la Salud (OMS).
  Fuente :https://www.archdaily.mx/mx/957006/como-ha-cambiado-la-pandemia-la-forma-de-vivir-el-arte-en-los-espacios-publicos
 
 

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Proyectos Arquitectonicos

Centro de aprendizaje de la Universidad de Kingston / Grafton Architects

Centro de aprendizaje de la Universidad de Kingston / Grafton Architects

Arquitectos: Grafton Architects Ubicación: Londres, Reino Unido  Área: 9,400 m2 Año Proyecto: 2020 Construcción: Willmott Dixon Fotografía: Ed Reeve y Dennis Gilvert  El proyecto se trata de un edificio de enseñanza para la Universidad de Kingston...

El acceso al arte público es un privilegio cultural innato para los neoyorquinos. Repartido por los cuatro rincones de la ciudad, el arte público es una parte integral del paisaje urbano de la ciudad de Nueva York, ocupando parques, plazas, callejones y terrazas abiertas a cientos de metros sobre el suelo. Si bien las instalaciones de arte público más famosas y celebradas ya están arraigadas en la textura urbana de la ciudad, como 'Love' de Robert Indiana en la Sexta Avenida o 'Gay Liberation' de George Segal junto al Monumento Nacional Stonewall, no podemos olvidar esas "obras de arte" que adquieren un carácter más efímero. 

Las instalaciones de arte público tienen el poder de suscitar las más diversas reacciones, con una historia de interpretaciones polarizadas que, en ciertos casos, terminaron en juicios y acciones públicas.
 
A raíz de las restricciones a la circulación y acceso a las instituciones públicas en tiempos del COVID-19, el acceso al arte — no a diferencia de tantos otros sectores — atraviesa un período de muchas incertidumbres, lo que obliga a las instituciones culturales a girar con nueva energía hacia el exterior, en el espacio publico.
Cuando se le preguntó acerca de cambiar el papel del arte público en medio de la pandemia, Sandra Bloodworth, directora de MTA Arts & Design, respondió retóricamente: "¿Cuánto tiempo tienes?" y dijo:

Desde que comenzamos el primer programa de arte dentro de un sistema de transporte público en 1985, siempre hemos estado trabajando en condiciones desafiantes, en entornos que el arte tiene la responsabilidad de tratar de transformar para mejorar
El proyecto más reciente realizado por MTA Arts & Design es una instalación de arte público en la Grand Central Station de Nueva York, diseñada por el reconocido artista Jim Hodges y titulada "Soñé un mundo y lo llamé Amor". Tomando la forma de un enorme mosaico de vidrio suspendido, la instalación está formada por 5.000 piezas de vidrio en 70 tonalidades diferentes.

Para Bloodworth, la instalación diseñada por Hodges es “una llama de esperanza”, un espacio que transporta a los pasajeros a un mar profundo y colorido mientras viajan por la estación. Hoy en día, con más de 350 obras de arte en exhibición en todo el sistema de transporte público de Nueva York (así como en las líneas del metro norte y a lo largo de la autopista a Long Island), MTA Arts & Design defiende su iniciativa como el museo subterráneo más grande de la ciudad.

Ya sean estructuras centenarias o recién inauguradas, las estaciones de tren y metro de Nueva York nos brindan una oportunidad única para promover y celebrar el arte público y, en consecuencia, transformar los espacios de nuestra ciudad. En este contexto, otro trabajo que cambió el rostro de una importante infraestructura del sistema de transporte público de la ciudad más grande de Estados Unidos fue la reciente inauguración del nuevo techo diseñado por SOM para el nuevo Moynihan Train Hall, desarrollado con el apoyo de el Fondo de Arte Público.

La serie de cúpulas de acero y vidrio propuesta por los arquitectos de SOM invita a los pasajeros a mirar hacia arriba, celebrando la elegancia de las formas originales de la cubierta del antiguo edificio de correos.
Otra instalación de arte reciente digna de mención es The Hive, diseñada por los artistas escandinavos Elmgreen & Dragset. Compuesto por una serie de rascacielos en miniatura, la instalación representa la imagen invertida de una supermetrópolis — una mezcla de arquitecturas ficticias y edificios de fama mundial. Según la pareja de artistas, la intención con la obra es llamar la atención sobre el hecho de que nuestro “mundo literalmente se ha puesto patas arriba”.

Los antiguos conocidos de los neoyorquinos, como el Empire State Building, asumen otro papel aquí. El trabajo, aunque fue concebido incluso antes del inicio de la pandemia, tardó más de un año en completarse.

Contrastando enormemente con la especificidad local de los dos proyectos mencionados anteriormente, la artista conceptual Jill Magid aborda el arte público con un enfoque algo diferente. En su proyecto llamado Tender, busca resaltar la naturaleza volátil de la economía. El artista decidió repartir 120.000 centavos acuñados con la fatídica fecha de 2020, el monto exacto del paquete de primeros auxilios aprobado por el gobierno de Estados Unidos el año pasado.

Las monedas acuñadas por Magid, sin embargo, no son las mismas que usamos a diario, están inscritas con la sugerente frase: "el cuerpo ya era tan frágil". La potencia de este trabajo, obviamente, depende de una activación silenciosa, que resulta de su circulación al pasar de una mano a otra, de una persona a otra. Para hacer circular sus monedas, el artista ha frecuentado las numerosas bodegas de la ciudad de Nueva York — que han permanecido abiertas incluso durante las cuarentenas más estrictas.

La naturaleza antimicrobiana del cobre hace que el centavo sea una forma segura de hacer arte circular, que, según la directora ejecutiva del proyecto, Justine Ludwig, “es capaz de agregar una sublime sensación de asombro al ritmo diario de la vida de una persona”. Las consecuencias de este proyecto van más allá de cualquier categorización o frontera que se quiera establecer sobre una obra de arte público tradicional, principalmente por su carácter transitorio y profundamente arraigado en la vida cotidiana.
Reconociendo la importancia de este momento de incertidumbre para el mundo del arte, Nicholas Baume, director y curador en jefe del Public Art Fund, dice:

Una de las principales razones por las que el arte público es tan importante para todos nosotros en este momento, es su capacidad de renovar nuestro sentido de pertenencia y comunidad: nos recuerda que todos debemos asumir la responsabilidad, que el arte debe ser accesible y que debemos valorar nuestros espacios públicos como lugares de expresión creativa y donde nuestros valores democráticos deben celebrarse todos los días

Este artículo fue originalmente publicado en Metropolismag.com.
Te invitamos a consultar la cobertura de ArchDaily relacionada con el coronavirus, leer nuestros consejos y artículos sobre productividad al trabajar desde casa y conocer las recomendaciones técnicas para el diseño saludable en sus proyectos futuros. Además, recuerda revisar los últimos consejos e información sobre COVID-19 del sitio web de la Organización Mundial de la Salud (OMS).
  Fuente :https://www.archdaily.mx/mx/957006/como-ha-cambiado-la-pandemia-la-forma-de-vivir-el-arte-en-los-espacios-publicos